Lo que quiero de la clase de vídeo.

Me gustaría saber cuál es el programa de las cosas que vamos a ver, para poder sugerir si podemos ver otras cosas con más énfasis o ver otras que no están en el programa.

Quiero ver sobre la animación, que es un campo que casi no conozco y también sobre el cine, me interesa mucho un desarrollo paso a paso de la edición pues mis conocimientos con la computadora son casi nulos.

Me gustaría ver algo de la historia de la imagen en movimiento, sobre todo usando la historia de la foto como una caja de herramientas o de tips.

Me gustaría que nos recomendara páginas de cortos o festivales de cortos y/o vídeos y  también me gustaría saber que ramas hay dentro de la imagen en movimiento.

William Eggleston

Memphis 27 de julio de 1939.

Este fotógrafo recibió en 1998 el premio Hasselblad, las razones por las que lo recibió son variadas, pero entre las que podemos destacar son su uso inovador de la foto a color, ya que el color en la historia de la fotografía era mal visto, se pensaba que la diferencia entre la foto de arte y la foto comercial era este elemento, la foto de arte mantenía su pureza en el blanco y negro, mientras que la fotografía a color lo utilizaba por su afán seductor. Otro elemento que podemos destacar es los lugares que elige para tomar las fotografías, por lo general en el sur de los Estados unidos, de donde procede, la forma en que capta estos lugares son muchas veces informales , no planea las cosas, si no que va a buscar estas situaciones, su enfoque parece dividido, por un lado retrata las cuestiones formales (como botes de kétchup y mostaza) y por otro las costumbres y/o las personas que viven en el lugar , por lo tanto da un visión amplia del el sur con sus amplias carreteras, sus letreros y los usos y costumbres de su gente. Por último podemos agregar el tipo de impresión que usa, un tipo de impresión comercial que realza la brillantes y el color de sus imágenes, rompiendo también con el estigma de la impresión profesional de gelatina de plata en un impecable blanco y negro.

Proyecto final de fotografía.

Mi serie fotográfica serán fotos a pequeñas escenografías  o maquetas, estas tendrán un fondo, un paisaje abstracto (harán referencia tanto al paisaje natural como al urbano), a la vez habrá un elemento que destaque por su color y reducido tamaño dentro de este ambiente, en esta serie quiero explorar la relación de lo grande con lo pequeño y sobretodo la idea de lo sublime, lo pequeño y limitado del hombre frente a la grandeza e infinidad del paisaje, al que hago referencia de modo abstracto.

Ensayo sobre las lecturas de Ritchin y Sontag.

La fotografía como documento social.

La foto en si misma es una extencion del ojo ,atravez de ella podemos ver paisajes lejanos y países exóticos, la cámara como un ojo nos lleva con mayor facilidad ahí, pero si lo pensamos en sentido estricto ¿Cuáles son las diferencias entre este ojo externo y nuestra presencia en este lugar? La foto siempre es un recuerdo visual, a los mucho podemos contar con un sentido y lo mas importante, cuando estamos ante una hecho real, el tiempo fluye , no se detiene como en la foto, al tener nuestros 5 sentidos y poder ver el desarrollo de los hechos frente a nosotros tenemos una cantidad de información mayor y con mas puntos de vista (considerando a los sentidos como cinco medios distintos) mientras que con la foto convencional tenemos solo un fragmento del tiempo, un instante congelado, damos por sentado que lo representado visualmente es mas valido y real, nos habla del valor que le atribuimos a la vista, la imagen ha adquirido un papel preponderante en nuestra sociedad.

Pero confiar ciegamente en la fotografía como testimonio de la verdad, no solo es pensar la realidad de una forma acartonada, si no también  que es un ojo que no controlamos y que muchas veces nos controla, la fotografiar en el contexto de los medios, como las noticias , forma una opinión, utilizan la fotografía como herramienta de legitimación pero ¿Que nos garantiza que la foto no sea una escenificacion? ¿No muestre lo fotografiado de manera tendenciosa? El pie de foto tampoco puede ser del todo esclarecedor pues puede estar igual de corrupto.

¿Que imágenes podríamos tener de guerras lejanas o de desastres naturales  sin este ojo? Ir a los lugares del conflicto es demasiado peligroso y difícil, en un mundo con miles de millones de habitantes, hay muchos conflictos y poco tiempo, si no tenemos una imagen fotográfica, aunque sea estereotipada, podríamos no tener ninguna, el hecho consistiría en tratar de contemplar la fotografía en su contexto, tratar de entender cual es la perspectiva del fotógrafo ¿Cuáles es la postura del medio en el que se exhibe? Citando a Sontag  “la foto es una eterna invitación a la especulación”.

El problema de la foto es lugar donde se exhibe y como este lugar( los medios o las redes sociales) condicionan la forma en que la foto sera tomada, los medios tienen el poder de descartar las fotos que no estén en relación con el discurso ideológico, pues ellos tiene el dominio de la información, o aun peor, los foto periodistas que van a aquellos lugares , asumen estos patrones ideológicos de forma consciente o inconsciente, han interiorizado estas reglas.

Esta visión mas que informar refuerza los estereotipos de los lugares a los que se va, solo se aprovechan las fotos que refuerzan esta idea o se hacen escenificaciones si el momento es demasiado difícil de conseguir, muchas de las fotografías de las guerras de E.U, muestran los soldados muertos del otro bando en una serie de situaciones grotescas y mostrando su rostro, en cambio, sus propios muertos no cuentan con un registro tan gráfico , no se muestra el rostro de sus caídos, arguyendo que los familiares podrían ser revictimizados al ver las fotografias de sus familiares en todos lados, pero si lo pensamos bien ¿Los otros no tienen también derecho a velar a sus muertos? A evitar que sean mostrados, en un mundo globalizado, podrían encontrar a sus muerto.

La posible solución seria la de una modificación al medio , según Ritchin, el nuevo medio del que podemos esperar algún cambio es de Internet, un medio del que todavía no podemos prever los resultados, pero que se ve un espacio fértil, podemos optar por narraciones mas complejas , narraciones no lineales, donde el individuo pueda armar su versión de los hechos dependiendo de cuanto quiera informarse sobre la noticia, esta paginas adquieren un calidad de ensamblaje, pues no solo podemos poner fotografías si no también ,vídeos ,documentos y mas. Esta clase de sitios se intentan lograr la interacion entre los usuarios, esto puede generar una tercera forma de distribución de la información, mas directa incluso, pues mientra se esta en la pagina uno puede forma una especie de comunidad con los otros usuarios y compartir el contenido a escala humana.

la intención de la fotografía como documento social es que muestre lo sucedido, que esta pasando en tal lugar, pese a que es un recursos subjetivo, pero nuestra propia percepción no es objetiva, siempre esta condicionada por nuestra postura, el lugar donde estamos y lo que ocurre en tal lugar, no tenemos una mirada absoluta, solo parcial, la foto es otra variable que agregamos al problema de la percepción, pero escudarnos en lo relativo del medio en lo fragmentario que es también es un error, seria ignorar que la fotografía ha tenido impacto en mayor o en menor medida en la denuncia, es aceptar las perversiones del medio y sus limitaciones pero también pensarla como un primer acercamiento, la fotografía podría entenderse como una forma de acercarse a los otros.

Tipos de paisaje

Me gustaría hacer una reflexión sobre los tipos de paisaje y las reflexiones asociados a estos, no indagare en todos las facetas del paisaje pero si lo hare en algunas; la divisiones no son tan estrictas, sin embargo ayudan a delimitar el tema. Los tipos de paisaje que abordare son el paisaje puro, entendido como un ambiente rural o un lugar sin intervención notable del hombre, el paisaje abstracto, considerándolo como un evolución del paisaje, sugiriendo, en vez de representarlo con todo detalle y por último el paisaje urbano, un ambiente creado por el hombre, el nuevo lugar donde se desarrolla la vida. Los tipos de paisajes que seleccione tiene relación con los pintores y los fotógrafos que encontré, mi intención es mostrar de manera somera algunos de los intereses del paisaje.

El paisaje puro.

Este es el lugar que vio nacer a los primeros hombres, en este sitio dimos nuestros primeros pasos como humanidad, antes de refugiarnos en las cuevas, los interiores de esos días, estábamos a la intemperie, no teníamos un refugio de cuatro paredes, el paisaje abierto era nuestra territorio, es el lugar donde se consiguen recursos pero donde también uno puede convertirse en recurso de alguien más, un lugar fundamental para vivir pero que también puede arrebatarnos la vida con facilidad, hoy en día para muchos citadinos, estas cuestiones del paisaje y la naturaleza como un lugar amenazante siguen presentes , pero nos hemos acostumbrado a otro tipo de vida, para muchas personas estos lugares ya no son el escenario de la vida y la muerte, son los lugares de turismo o recreo donde se va cuando se está harto de la cuidad, no pierden su magnificencia, pero hoy los vemos como un lugar de paso, cada vez menos como un lugar para vivir.

Autores como Fay Godwin y Anselm Adams podrían mostrar nuestro sentimiento de pequeñez ante la naturaleza, parecería que no somos nada ante ella, apenas unos breves momentos, como en el valle de Yosemite de Adams o los dólmenes de Godwin, sus obras a veces nos recuerdan el vértigo de algunos paisajes Friedrich, un enfoque ligeramente distinto es el de John Blakemore y Alex Keigsley, la naturaleza sigue siendo grandiosa pero cobra dimensiones más humanas, los paisajes de bosques de Blakemore o las escenas bucólicas de Keigsley, al final todos tiene un aire romántico, la sensación de lo sublime, al menos en parte de su trabajo.

Paisaje Abstracto.

El término de abstracto puede entenderse como una síntesis, agarrar los elementos más fundamentales de algo y así ahorrarse los detalles superfluos, el termino no refleja una actitud tan concreta como en el paisaje puro, las escenas del mar con niebla de Hiroshi Sugimoto , dan la impresión de un Turner, de esos paisajes apenas atisbados donde la luz y el mar son los principales protagonistas, una imagen sublime y a ratos melancólica; por otra parte el paisaje abstracto se puede nutrir de su homologo pictórico, usando algunos de sus recursos más exitosos, los colores brillantes y los contrastes fuertes, como en la obra de Franco Fontana, con sus paisajes de una sencillez y colorido impresionante, parece nutrirse de los pintores Hard Edge .

Paisaje Urbano.

El paisaje urbano es donde la mayor parte de la población actual vive, si el paisaje puro puede relacionarse con la relación del hombre y la naturaleza, la foto del paisaje urbano se relaciona más con una reflexión del propio hombre, la forma en que se interactúa en estos espacios, la vía pública y la residencia privada, los cambios que una cuidad experimenta con el paso del tiempo, la cuidad dividida en términos de clase, son preguntas que no se hacen el paisaje puro, el paisaje urbano puede ser como una introspección, como en el trabajo de John Davies y su incesante interés por el pasado conviviendo con el presente, una iglesia gótica conviviendo al lado de un reactor nuclear y similares ¿Cómo han cambiado las ciudades? ¿No es acaso un batalla entre el pasado y el presente? El paisaje urbano enseña el conflicto, las fotos de Bill Brandt de refugiado en el metro por los bombardeos a Londres, muestran que la lucha por la vida solo se adaptó a un nuevo escenario.

Técnicas antiguas de la fotografía.

Daguerrotipo

Es considerada la primera técnica fotográfica, fue inventad en 1839 por  Louis Jacques Mandé Daguerre con la ayuda de Nicéphore Niépce, aunque recibe el nombre de Daguerre porque Niepce murió, antes de que la técnica diera resultados del todo satisfactorios.

El Daguerrotipo utiliza de base una placa de plata pulida, aunque generalmente se utilizaba cobre para economizar, esta placa estaba sensibilizada con Yoduro de plata, al que después se fijaba con vapores de mercurio sobre la placa. El resultado era una imagen en positivo, aunque según el ángulo de visión podía verse también en negativo, esta imagen tenía varios inconvenientes, uno de ellos era que la placa no podía estar expuesta al ambiente de forma directa, tenía que estar sellada en un estuche y/o vidrio protector, solo producía una imagen única, el tiempo para tomar foto era lento (10 minutos en un principio, hasta llegar a un minuto) y el procedimiento con mercurio era altamente venenoso.

Calotipo

Calotipo o Talbotipo es otro proceso fotográfico que siguió al dageurrotipo, esta vez fue William Henry Fox Talbot de Inglaterra quien descubrió este procedimiento alternativo en 1941.

El Calotipo se deriva de la palabra griega “belleza” καλός (kalos), primero se utiliza como “negativo” una hoja de papel sensibilizado con nitrato de plata y yoduro de potasio, antes de la exposición se le da un baño de nitrato de plata y ácido gálico y después se toma la foto, una vez que el negativo está seco, se ve una imagen apenas perceptible en el papel , es necesario dar un baño extra de nitrato de plata y ácido gálico fijar con hiposulfitos y sumergirlo en un baño de cera para lograr el negativo final. La fotografía como tal se lograba superponiendo este negativo seroso de forma directa sobre el papel sensibilizado con nitrato de plata.

Al igual que el dageurrotipo, al calotipo presentaba los desperfectos de un tiempo de exposición demasiado largo, pero esto se fue corrigiendo con el tiempo de unos 30 min a 30 seg, aunque cuenta con la ventaja de que puedes producir un número ilimitados de copias aunque del mismo tamaño que el negativo.

Gelatino Bromuro

El proceso de Gelatino bromuro o Colidion húmedo fue inventado por Gustave Le Gray en 1951, el adjetivo de húmedo es porque este proceso se necesita realizar mientras el negativo está fresco, por lo que se necesitaba toda un carpa o toldo para realizar el proceso.

La base de esta forma de impresión es una placa de vidrio, sensibilizada con el nitrato de plata y aglutinada con el colodión o mejor llamado algodón-polvora una especie de barniz, cuya principal base es la celulosa nítrica, la combinación de la plata y colodión sobre el vidrio era la placa lista para tomar la foto, después de que la foto se tomaba se pasaba a revelarla inmediatamente.

La ventaja del colodión es que el tiempo de exposición era bastante rápido parte de que se podía fijar la imagen sobre piel, cerámica o fierro, aunque tiene como desventaja, que se necesita un cuarto de rebelado cerca aparte de la fragilidad de las placas de vidrio , de que re rallen o rompan.

Ensayo sobre el retrato.

El retrato dentro de la vida intima

La vida íntima es un espacio donde las normas sociales exteriores se relajan, es un lugar donde las  cosas suceden a puerta cerrada, un espacio misterioso y oculto, donde solo somos juzgados o vistos por las personas de más confianza, es un lugar privado. El retrato puede cobrar una dimensión extra, no solo consiste en mostrar a la persona en sí, si no también su entorno, como si su ambiente fuera un extensión de ellos, así, el retrato puede ser más cabal, no solo muestra como somos físicamente, sino también como luce lo que está a nuestro alrededor, el espacio donde queremos y/o podemos vivir.

Para que un retrato sea un retrato, tiene que distinguirse de quien se habla, esto no quiere decir que la biografía de la persona nos venga a la cabeza automáticamente, sino que debe darse forma a una identidad, es como si oímos un nombre pero ese nombre no nos dice nada, al ver la imagen de esa persona, ya no es algo abstracto, es alguien.

Antes de la fotografía, la pintura se encargó de mostrar estos espacios y la gente que habitaba en ellos, la tendencia a retratar a las personas dentro de espacio privados reales, a diferencia de los cuadro religiosos o escenas mitológicas, data de la contrarreforma, aunque hay muchísimos ejemplos anteriores, el éxito de la representación de la casa y los temas hogareños como un tema valido y a la altura de los otros géneros es inédito, a menudo las representaciones de la vida doméstica se representaban mas en grabado o al fondo de las pinturas, pero a partir de Lutero las representaciones religiosas se consideran idolatría, por lo tanto géneros como el bodegón y las escenas de la vida privada y pública se vuelven aceptadas al servicio de los nuevos burgueses.

Los pintores que retratan esta vida son numerosos, entre ellos podemos incluir a la pintura holandesa del siglo XVII y posteriormente a varios pintores del siglo XVIII en varias partes de Europa, algo que podría unir a varias de estas representaciones son quienes las encargan, los burgueses, la gente que decide representar su vida, es porque tiene 2 razones, le gusta y se siente satisfecho con ella y porque tiene los medios económicos para hacerlo, así un artista como Francoise Boucher o Jean Honore Fragonard de Francia son bastante representativos del rango de posibilidades de retrato y la vida íntima, pintan escenas de pastorales , diversiones aristocráticas, cuadros mitológicos y los más sorprendentes, escenas eróticas.

Lo sorprendente de las escenas eróticas es que son escasamente representadas en occidente y por lo general eran imágenes de corta circulación, pensando en cuadros como “La resistencia inútil” de Fragonard o “Hercules y Onfale” de Boucher, eran cuadros destinados a lugares privados, no públicos, si bien no muestran escenas de penetración  de forma directa u otra práctica sexual explicita, el sexo fue uno de los aspectos menos representados en la pintura occidental o sus representaciones se mantenían siempre a escondidas , en este caso en la residencias de los aristócratas.

Otro caso ejemplar de como el sexo estuvo vetado de la representación, es el cuadro de el origen del mundo de Gustav Courbet, este cuadro es un acercamiento a la vagina de su amante, Joanna Hiffernan, mostrando el vello púbico y los labios exteriores, pese a que fue hecho en 1866, se expuso hasta 1995, aun hoy en día las imágenes de sexo explícito causan tanto escándalo.

Aun así cabe añadir que se podría ver un progresivo avance en la forma en que se retrataba el sexo, la llegada de la fotografía, junto con el avance de lo laico en la sociedad, permitieron poco a poco la difusión de estas imágenes, de este aspecto de la vida intima, otros aspectos de la vida privada no se vieron tan limitados por no estar ligados a cuestiones tan controvertidas como el sexo.

Podemos dar un salto a los 60, los años donde todo se cuestionó, incluido el sexo, así podemos llegar a la obra de Nan Goldin y Robert Mapplethorpe, fotógrafos que retrataron el sexo de forma directa y que incluso se llegaron a autorretratar en prácticas sexuales, desde el punto de vista de este ensayo,  serian (en especial Goldin) los continuadores del retrato dentro de la vida privada, dan un cambio de la forma de plasmar la vida privada, poniendo énfasis en el sexo, un aspecto reprimido.

Ellos dan la cara, muestran su ambiente inmediato y no temen mostrarse, muestran a comunidades vedadas a lo largo de generaciones, la comunidad LGBTTT, con Goldin Y Robert, sabemos de su existencia y sobre todo con Goldin asistimos al desarrollo de su vida, los espacios donde se mueven, las parejas que tienen y muchas veces como sus vidas terminaron con el VIH o SIDA.

Goldin Y Mapplethorpe  actualizan y retoman el tema del retrato en un ambiente especifico, lo hacen con un nuevo medio que les permite nuevos enfoques y nuevas formas de mirar, pero haciendo referencias directas o indirectas al pasado del retrato, desde los desnudos musculosos y de apariencia inmaculada en Mapplethorpe, con sus referencias al desnudo grecorromano o Nan Goldin retomando a ratos la iluminación del barroco o escenas intimas del romanticismo, pero incluyendo nuevas miras al incluir temas antes ocultos, como otras formas de sexualidad o los conflictos de pareja.